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1987年进入解放军二炮司令部表演队。1993年，他开始创作歌曲和歌词。1995年考入中国人民解放军艺术学院音乐系，师从李双江。

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“农民歌手把自己当成艺术家。他们没有门，也不互相接触。他们不配称自己为艺术家。“在一次采访中，蒋大为说普通人喜欢草根歌手只是因为他们是农民，他暗指的人是他的徒弟朱之文。

2021年5月20日，陈思诚和佟丽娅宣布离婚。这段爱情从《乘风破浪的姐姐》开始，最后毁于一旦。

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8月5日至25日，由北京城市发展研究院和北京市文物保护协会指导、叶星生画院主办的“与古人合作”何宇鹏玛尼石刻拓片展在京举办，展出了何宇鹏近一年来创作的30余幅玛尼石刻拓印精品，其素材源自书画家、收藏家叶星生先生收藏的年代久远的玛尼石刻板。传拓技艺（拓片）是具有魅力的非物质文化遗产，其将古代刻画、浮雕文物拓制于纸上，是集金石、考古、美术三位一体的艺术门类。玛尼石刻艺术始于远古，与古老的岩画、摩崖石刻有着紧密联系，内容丰富、形式多样。其就着石板、石块的天然形态而作，用刀斧来构图造型，集古朴、浑厚、生动于一体，为原本冷冰冰的石材赋予了鲜活的生命力。何宇鹏的拓印不仅是还原，同时也是创作。每一幅玛尼石刻拓片都体现了他对于玛尼石刻板的观察和理解，也考验了他对于古老传拓技艺、绘画、雕塑的理解。何宇鹏在将玛尼石刻板从立体向平面转换的过程中，艺术化地实现了层次丰富的立体视效。中国美协副主席、中国美术馆馆长、雕塑家吴为山第一次见到何宇鹏的玛尼石刻拓片，误以为是绘画，他题字鼓励道：“何宇鹏同志绘画作品以自己之法为之，可继续探索。”此次展出的何宇鹏玛尼石刻拓片既有何宇鹏的独立创作，也有与叶星生、希热布等合作的作品，还有与书法家杨扬合作的作品。何宇鹏在古老的拓印工具难以寻觅的情况下，创造性地使用现代工具。展出作品中既有全形拓，也有注重留白、勾线的艺术化创作。他将对传统水墨画浓淡干湿、经营构图的理解运用到拓印中，在拓片作品中呈现山川、河流、沟壑、远山、断崖等水墨画效果，甚至以真实的树枝、香炉雕花来拓印入画。在对火焰的表现上，为了增强火焰的黄色、红色和橘色，何宇鹏在拓印过程中先上金，再上20遍朱砂，再点金，由此不仅实现了火焰的三种颜色层次，还让火焰有了珠光气。尤为值得一提的是，何宇鹏将布拓作为自己的一个探索性实践方向，他的金布拓很好地实现了立体透视感。叶星生介绍道，何宇鹏在第一次接触玛尼石刻时，眼睛里放光。玛尼石刻是完全随形来进行造型、来进行内容和文字的阐释，严格说来，玛尼石刻是劳动人民用他们的想象力和创造力所创造的一批文化遗产。何宇鹏的创作有想法，多方位、多方法、多形式，用黑白拓、朱砂拓、金银拓来拓印创作，并由此发展、创新。这次展览只是何宇鹏走出探索的第一步，以后在材质上还要考究、工具上还要讲究。另外，还要根据不同的内容采用不同的色彩、不同的拓片方式，最后综合在一起成为完整的、优美的、具有民族特色的艺术品，让更多人知道玛尼石刻这门艺术。何宇鹏生于北京，正黄旗人，父亲何纪民先生为故宫古建专家。因为家学渊源，他师从著名书画家、收藏家叶星生先生学习绘画、藏学知识，又作为颐和园裱作大师王敏英的关门弟子学习中国皇家宫廷内檐装裱、皇家囊匣制作、古籍善本修复等非遗手艺；还曾跟随过故宫博物院文保科技部已故研究员沈伟先生研习制印术。目前为故宫特邀文保专业人士参与故宫文保工作，恢复古建花样纹饰拓印技法，实现故宫古建图形、图案纹饰类文物原样副本保存工作。出于对玛尼石刻和传拓这门古老技艺的敬畏心，何宇鹏非常讲究制作过程的仪式感。每次制作拓片前，他都要焚香静心，创作过程中首先求其心意，再顾其形。他说，拓印跟印刷是两个不同的概念。拓印同样的作品时，每一次呈现的韵味都不相同，因为每次创作都融入了不同的情绪和感受。可以说，100张拓片有着100种不同的感觉。何宇鹏玛尼石刻拓片展中的一张张拓片作品，携带着文明的基因和密码，承载着丰富的文化信息。艺术创作让每张拓片都散发出独一无二的气质。

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“中国国家画院庆祝中国共产党建党100周年邀请展”自6月举办以来，受到广泛关注，8月16日，系列展览的收尾展览“不负韶华——青年艺术家作品展”与观众见面，与此前举办的书法、篆刻、山水画、油版雕和花鸟画、人物画名家作品展等共同构成庆祝建党百年的艺术长卷。未来属于青年，希望寄予青年。笔墨当随时代，近百年来，中国的文化与艺术一改从前的抱残守旧、陈陈相袭转而呈现出一派欣欣向荣、朝气蓬勃的新气象，而当代的青年艺术家正以他们的活力与才华描绘着新时代的画卷。本次青年艺术家作品展共邀请了全国100 位优秀青年艺术家参展，以庆祝中国共产党百年华诞为主题，围绕江山礼赞、时代新貌、华夏名胜、红色圣地、乡情故土、社会建设、美好生活、典型事迹、花卉禽鸟等积极向上的题材，统一以2米×2.4米的大尺幅进行创作。展览以30至40岁的青年艺术家为主，几乎涵盖了全国每一个省份，这些艺术家多是参加过国家级重要展览并获奖的优秀作者，基本反映了当下青年艺术家的创作面貌。展览要求的大尺幅创作不同于以往的自由创作，可以说是对青年艺术家的能力的一次检验。青年艺术家们经过了大半年的精心创作，作品体现出了一种高质量，而尤其令人感到高兴的是，从这些作品可以看到当代青年画家对传统的重视，每个画家在传承、探索和研究的过程中针对传统都有自己的学术体验，难得可贵。更表达出对中国画新方向的思考，青年艺术家们用新观点、新语言、新题材来表达对当下社会的关注和看法，展示了青年艺术家当下的创作态势，为中国画的发展注入了新鲜的血液。开幕式上，中国国家画院院长卢禹舜，中国国家画院艺术家范扬，中国国家画院原副院长赵卫，中国国家画院山水画所副所长、青年艺术中心主任王跃奎先后致辞；中国国家画院青年画家何佳芮，清华大学美术学院绘画系副教授、博士生导师丁荭，故宫博物院青年画家巨建伟代表参展艺术家发言。开幕式由中国国家画院党委副书记、纪委书记王青云主持。卢禹舜在致辞中介绍到，为庆祝中国共产党成立100周年，中国国家画院策划举办了包括书法、篆刻、山水画、油版雕、花鸟画、人物画名家作品展以及此次开幕的青年艺术家作品展，和之后将要出版的“百家争鸣”理论文集，以800人、800件作品的形式，聚焦时代、聚焦人民、聚焦社会，聚焦人类社会进步的伟大历程，聚焦中国共产党带领全国人民拼搏进取的伟大实践为重点，围绕百年党史的伟大征程和辉煌成就，展现党领导下的中国发生的历史性巨变、人民生活状态与精神面貌的发展变迁以及爱国主义、家国情怀、中国文化精神。这是中国国家画院以自我阶段性总结的方式，通过发挥国家美术团队引领和导向作用的学术活动，来向党和人民交上的一份用心用功用情书写的沉甸甸的答卷。此次展览作为中国国家画院庆祝中国共产党成立100周年七个系列邀请展中的一个，最后亮相，有着特别的意义！习近平总书记指出，青年兴则国家兴，青年强则国家强。青年一代有理想、有本领、有担当，国家就有前途，民族就有希望。他又强调“中华民族伟大复兴的中国梦终将在一代代青年的接力奋斗中变为现实”。在艺术的领域里，青年是最富活力、最具创造性的群体，他们理应走在创新创造的前列，理应走在引领时代审美风尚的前列。在我院的建党百年系列邀请展中，特别将青年艺术家作品展单独列出，并以“不负韶华”作为主题词，就是期望借此发挥国家画院“发掘青年人才、凝聚青年人才、培养青年人才，服务青年、引导青年”的社会作用，为美术发展的梯队建设和接力奋斗储备力量、接续能量，并带动老中青三代艺术家间相互学习、相互借鉴，推动美术创作研究的良性发展。中国美术家协会分党组书记、驻会副主席徐里观看了展览，他在采访中谈道，中国国家画院在中国共产党建党100周年，组织的七个不同类别的展览，涵盖老中青三代，涵盖各个画种，涵盖各个艺术门类最优秀画家的作品，让我们看到了当代画家对党的热爱和对党的深情表达。展览全面检阅了当代中国画家的责任、担当和作为。七个展览的策划非常成功、非常及时，除了献礼以外，也是一种梳理，一种总结，一种期待，一种持续的探索和超越，非常有意义。谈及此次开幕的青年展览，徐里表示，中国青年一代的美术家礼赞建党百年华诞的作品，能够看到新时代的青年画家根植于传统、立足于当代、面向于未来的学脉传承；能够看到年轻的一代画家所赋有的希望、朝气和生命力；能够看到年轻一代画家在不断地探索、不断地挑战自我、不断从继承传统中来实现创新、创造所作的努力。的确，中国文化、中国美术的希望就在年轻人的身上。希望他们不负韶华，能够与时代同步伐，能够到火热的生活当中去，深入生活、扎根人民，在新的时代，在最具生命力的美好年华，为中国文化事业的传承、创新、发展作出独有的贡献。中国艺术研究院国画院院长牛克诚认为，这些青年恰逢其时，他们赶上了一个特别好的时代，拥有这个时代最丰厚的馈赠，他们基本上是成长于20世纪70年代以后，在改革开放这样一个大的时代环境，接受的观念自由且多元。同时他们又经历了图像时代，与我们相比，他们更能够和这样的一个时代达到一种性格、智慧与能力上的契合。看到他们的作品感到特别有冲击力、特别新颖，令人兴奋。中国国家画院交流合作部主任尚可表示，“不负韶华”青年艺术家作品展是中国国家画院为庆祝建党百年推出的系列邀请展之一，系列展产生了很好社会反响。就知识结构和观察视域的层面而言，年轻的艺术家有着自己的优势和独到之处，他们的思维敏锐，也敢于打破常规地思变，其艺术探索的触角能够多方位延伸，这是一种可喜的现象。看了今天的这个展览，也可以印证如此的认知，一些作品有一定的新意，具体表现为年轻艺术家不仅在描绘现代生活方面反映了他们的感受，而且对于绘画的本体语言，他们作出了诸多新变，赋予画面以有意味的视觉体验。绘画的时代气息或对客观世界的观察与真切表现，更需要的是对自己内在精神的把握以及恰切的展示，年轻艺术家已有所为，也将大有可为。中国国家画院理论研究所所长李虹霖表示，这个展览的主题定位比较准确，充满了生机，给人一种百花争艳、欣欣向荣的感觉，在李虹霖看来，展览有三个突出的特点：一是有新意，无论是山水、人物、花鸟，从图式、样式、色彩，以及作品体现出来的境界上，有明显的时代感，这是非常重要的，“笔墨当随时代”，用作品来歌颂祖国大好河山、歌颂我们的美好生活，这符合新时代的要求。二是有出处，展览体现出有传承，很多作品一看就知道大概的出处和体系，当然青年画家也不是简单的临摹，他们都有自己的理解和探索，这非常难得。三是有活力，展览中青年画家们呈现出了你追我赶、争奇斗艳、活力四射的气氛，当然只有竞争，才能够知道自己的差距、才能不断完善自己。总体而言，无论是从展览的策划、画家的选择，还是作品的呈现，都使展览展现出充足的青春活力。李虹霖同时也提出，希望年轻人不要骄傲自满，因为相对于成熟的艺术家来说，他们还有一定的上升空间，还需要更多参加展览和交流学习，多下功夫，不断提高自己，要以“思想精深、艺术精湛、制作精良”为标准再继续努力。此次展览的举办也恰逢中国国家画院创研新楼——明德楼启用一周年。这一年，中国国家画院围绕国家重大决策部署、重要的历史事件和重要的历史时间节点，设计和开展了一系列创作研究工作，包括2021年围绕“建党百年”和“中国国家画院建院四十周年”以及“大道不孤——中国国家画院中青年艺术家学术作品展”等举办的一系列创作研究成果展览和学术活动，明德楼的三个展厅：一楼国风堂、二楼雅厅和三楼颂厅，展览和学术活动不断，检阅创作研究成果，也为人民群众奉上了一场场精彩纷呈的视觉和文化盛宴，取得了良好的社会反响。这一年，中国国家画院的艺术家们创作热情饱满、高涨，或深入生活写生、或埋头画室创作、或活跃于展览交流、或投身于学术讨论，整个画院工作紧锣密鼓、充实有序，学术氛围浓厚，在出作品、出人才方面，每个人都付出了自己的努力，也都取得了可喜的成绩。展览将持续至8月28日。

“中国艺术、艺术教育要补现代主义这一课”是一位著名油画家近数年来常挂嘴边的话，这两年借助其个展谈话的机会，更得到大范围传播，直到最近接受南、北两家媒体访谈时，其仍在强调此话及相关话意，颇有点过来人语重心长的味道;但因为他“这一代人”往往都有建立在经验主义基础上的过度自信，话里能听得出多少“说教味”——这同时意味着说话者对自身存在的问题可能缺乏自知、自省意识。笼统地理解，这样的话颇符合人们对中国历史和社会现状的判断，也是多年来关于现代化的一般论调。但这话有着非常具体的艺术和教育的专业指意。比如，其言：“单从油画(教学)上来说，由古典主义到现代主义其实是一个标准。不是说传统写实是一个标准，搞现代主义就是另一个标准。1970年代末，我到德国去，特别去了杜塞尔多夫美术学院，他们的学生还在画素描，画解剖。我就问，你们的素描教学有什么发展?陪同我的教授回答：和200年前一样。就是说，在绘画教学上，基础的原则是永远不变的。风格可以变，表达内容变了，但原则永远不变”，“原则很重要。以前素描教学中的徐悲鸿体系来自法国，讲体积空间，讲解剖，就要分面。苏派油画来了也一样，也要分面，也要表现体积空间，只是有了一个新词，就是结构……所以说，在教学上要看到古典与现代主义之间的连贯性”，“风格和形式的变化必须建立在扎实的基础上。基础，就是你的能力，绘画能力，就是这样”，“你看很多搞油画的设计棒极了，比专门搞设计的都棒，因为他懂得造型、色彩、构图，没有这个基础，就去弄装置艺术、行为艺术，那是不行的。”总结起来的逻辑链条就是：绘画能力即基础，这个基础原则再具体化就是造型、色彩、构图这些东西，即使现代主义也是连贯了古典主义这些原则的，我搞基础部、画室制就是为了实现这个判断，否则学生要弄好设计艺术、装置艺术、行为艺术等，没门。必须承认，关于什么是基础、怎么训练基础，特别是创造性有没有基础或者创造性本身是不是基础和怎么训练创造性以及基础除了造型技术基础还有思维、思想、理论、方法论等基础之复杂性怎么看，这些问题到目前为止仍是艺术教育没法以唯一、常规(像我们一直以来强调的写实造型、色彩等)标准回答得了的问题。从这个角度看，恰好央美的基础部建制和做法，是一种违背现代主义、教育现代化乃至学生现代性的举措。把每届刚入学学生全集中起来，由“统一”的一帮教员、按着“统一”的模式和风格(比如红遍全国考前辅导班的“灰甜的央美风”)要求画一年，就能美其名曰打牢基础，可以安心放到专业画室搞艺术去，这听起来有点像神话，简单如此，基础问题就大可不必劳专家们烦心，遍布全国的考前美术培训班早就提早几年帮他解决了问题，无须再由美院浪费学生1年打磨宝贵青春。另外，尽管画室制也在世界上有些美术学院实行，但更现代的建制是导师工作室制(还不是一般的工作室制)——包括认为必修的基础科目。道理很简单，无论基础学习、专业学习，艺术教育一定是在尊重导师个性、主张、教法的基础之上的，每一个名师、名家必有自己关于基础、专业的理解和教法，并由此导出多元不同的艺术、教育实践成果。艺术教育没有千篇一律的基础，如果有被指定、固定出来的也是僵死的基础，这一点在我看到模仿某“老大哥榜样”美院而全国各大美院“百家齐开”的基础部之成果时，更是坚信这一判断。我可以在此预言，在扩招热散、艺考潮退、高教反思之后，艺术教育需要冷静下来思考质量竞争而不是地大楼高人多的竞争，用不了太长时间，各大美院基础部必解散、分解。据我所知，美院“基础部情绪”已存在多年，教员、学生早出现建制在人心散的局面，但碍于自尊、出于惰性而容忍反现代教育举措长存，如此真可以长久容忍下去吗?真不知道能画画才能搞设计和现当代艺术的武断式导论是怎么做出来的，是有什么数据和调研支持还是靠经验想当然?是数过世界还是国内艺术、设计名家大师得出的结论?真如此，美院设计专业学生为什么不也在绘画基础部训1年再分回去学专业设计?美院实验艺术学院学生也要训绘画基础1年再学装置、行为艺术?所理解的造型、色彩、构图基础及原则是仅限于写实(止于印象派)的还是包括现代主义的?来自法国的徐悲鸿体系和所谓苏派教学，都是古典主义写实教学体系，其大同小异值得大惊小怪吗?真的相信德国还是“和200年前一样”教?移脚去参观包豪斯并想清楚为什么有包豪斯了吗?于此，“补课”还更体现为怎么个认识法、补什么、如何补的关键问题。比如，就与现代主义相关的基础教学这一摊，美院早就有过“补课”的经验教训。美术学院最早引进三大构成等现代、抽象基础训练课程的时候，同样夹杂、延续了我们艺术教育中自上而下、教条化、千篇一律等弊端，学生通过批量化的作业死记硬背了所谓用排比、重复、变异、放射、对称等等“制作法则”摆布点线面的知识点，以此去搞艺术创作、设计却可能实实不知创作、研究为何物。这样的“补课”，等于是局部放大了现代主义的表面形式，而丢失了人性、灵性的实质。以此情状对比在更残酷的弊端里浸淫更长历史、更广范围——想一想其超越美术学院围墙而侵入艺考辅导和中小学艺术教育领域的影响力——的古典主义写实基础教学体系，惨状可想而知：美术学院选拔艺术人才进来，是通过将学生都召集起来放进基础部统一训练的方式培养，其训练程序、内容有很强的功利性和目的性，时间集中、训练量多而重复，注重的多是技巧，基本都只算熟能生巧……艺术创作却是一种关于“陌生化对象”的专业研究，事者须有更高层次的抽象思维、逻辑推论、观念滤淀、问题分析、真相追认等等深刻理解、题解的能力。“有些问题，不是一个人的问题，而是一代人的问题。”老画家此言可以理解。从另一个角度理解,以积极的态度去要求，自认精英的“这一代人”，是否也应该有勇气、有自信为“这个时代”的改变担责呢?来源：东方早报 作者：苏坚